Hélène Boucher, PhD

Communication dans les médias
       

Article : L’anxiété de performance musicale, une forme d’anxiété sociale, par Virginie Soffer, dans UdeMNouvelles, 1er Février 2024.
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Podcast : Entre Deux Cours - Épisode 2 - Hélène Boucher. Découvrez l'univers musical et académique d'Hélène Boucher dans ce nouvel épisode
       de "Entre Deux Cours". Explorez son parcours académique et musical, plongez dans sa vision inspirante de la pédagogie musicale, et entrer au
        cœur de ses recherches innovantes. Découvrez également le rôle crucial qu'elle joue dans la formation des futurs enseignants de musique et dans
        le département de musique de l'UQÀM, avec des réflexions passionnantes sur l'avenir de l'éducation musicale. Préparez-vous à une conversation
       enrichissante et inspirante avec une experte qui incarne la fusion parfaite entre passion musicale et enseignement.
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Article : Deux Uqamiennes honorées par le Conseil québécois du loisir. Hélène Boucher et Jennifer Y.M. Lee sont récompensées pour leur contribution
       au développement du Réseau choral des écoles québécoises, par Claude Gauvreau, dans Actualités UQAM, 1er mai 2023.
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Article : L'anxiété de performance dès le plus jeune âge, dans Thot Cursus, 3 novembre 2021.
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Article : Pandémie et transformation musicale, par Pierre-Étienne Caza, dans Actualités UQAM, 3 mai 2022. Intrevue donnée par Isabelle
       Héroux.
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Article : L'anxiété de performance musicale chez les jeunes: Les premiers signes de stress durant un spectacle apparaissent dès l'âge de trois ans,
        par Jean-François Ducharme, dans Actualités UQAM, 31 mars 2021.
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Podcast : L'anxiété de performance musicale chez les enfants et les adolescents enregistré dans le cadre de Trajectoire sur CHOQ.ca, en février 2021.
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Entrevue radio pour l’émission Musique et Sciences avec Louis Brouillette, diffusée le mercredi 16 septembre 2020, de 13 h 30 à 14 h, à l'antenne de Radio VM.
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Podcast : Effet de la musique enregistré lors du Mini-colloque sur l'éveil artistique des tout-petits, Longueuil, Canada, en février 2020.
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Publications dans des revues scientifiques (avec comité de révision)

Tardif, C., Boucher, H., Thomas, V. et Lane, V. (soumis à Revue de l'OICRM). Analyse des facteurs prédictifs de l’anxiété de performance musicale perçue d’élèves de 9 à 12 ans.

Résumé

Cette recherche vise à identifier les facteurs qui pourraient le mieux prédire la fréquence des manifestations d'anxiété de performance musicale (APM) rapportées par des élèves du primaire inscrits à un projet pédagogique particulier en musique-études. Pour ce faire, 164 élèves d'une école primaire spécialisée en musique ont participé à l'étude. Les participants ont rempli des questionnaires mesurant l'appréciation de leur expérience d’apprentissage de la musique (MLSS et QESPP) et leur APM (MPAI-A). L'analyse de régression multiple révèle que l'échelle du sentiment d'efficacité personnelle (SEP) et le genre sont des prédicteurs significatifs de l'APM. De plus, un SEP élevé est associé à une moins grande présence de manifestation d’APM chez les garçons, suggérant un effet protecteur du SEP plus fort chez eux que chez les filles. Enfin, l'étude met en évidence l'importance de considérer un ensemble de facteurs pour mieux comprendre l'apparition des manifestations l'APM chez les jeunes musiciens.

Boucher, H. et Thouin-Poppe, L.-E. (soumis à Studies and Issues in Music Education). A comparison of the musical compositions of 3rd, 9th, 11th graders and undergraduate
       university student-teachers.   Documents complémentaires.

Résumé

La création est maintenant incluse dans la plupart des programmes de musique et les apprenants d'âges et de cultures différents sont guidés pour explorer leurs compétences en composition. Cette étude qualitative visait à développer une meilleure compréhension des produits créatifs de musiciens d'âges et d'expériences différents tout en utilisant la pédagogie de R. Murray Schafer. Des musiciens de 3e, 9e et 11e année, ainsi que des élèves-enseignants généralistes et spécialistes de la musique ont composé un paysage sonore et sa représentation visuelle en petits groupes. Les caractéristiques des produits musicaux et des représentations visuelles ont été analysées par analyse de contenu, de plus les relations entre les créations sonores et visuelles ont été étudiées. Les résultats ont montré que le fait d'avoir eu plus d'expériences d'apprentissage musicales, plutôt que d'être plus âgé, était associé à l'utilisation de composantes musicales plus diversifiées. De plus, certains éléments musicaux, tels que le rythme, étaient représentés visuellement en utilisant les mêmes éléments structurels que dans la notation occidentale traditionnelle. Les implications pour l'éducation musicale des apprenants d'âges et de cultures différents sont discutées.

Boucher, H. et Lee, J. (soumis à Canadian Journal for the Study of Adult Education). Music learning in adulthood: An exploratory case study of a group process.

Résumé

L'éducation musicale offre des possibilités d'apprentissage tout au long de la vie à de nombreux adultes. Dans cette étude, nous avons exploré l'utilisation d'une pédagogie musicale renommée développée pour les enfants, l'approche Kodály, dans un contexte d'apprentissage tout au long de la vie. Nous avons documenté les différentes adaptations requises et observé l'expérience musicale d'apprenants adultes. Cette étude de cas indique que les participants ont exprimé leur désir d'apprendre la notation musicale occidentale et de développer leur voix chantée. Les principaux défis ont été la faible fréquence et la courte durée des leçons, tandis que les principaux gains, une meilleure compréhension de la notation musicale occidentale et une plus grande capacité vocale. Les aspects principaux de l'adaptation comprenaient le choix du répertoire, l'aspect ludique de l'enseignement incluant des jeux et leur perception par les participants, ainsi que la nécessité pour les apprenants de comprendre ce qu'ils apprenaient et les raisons pour lesquelles ils apprenaient. Dans l'ensemble, ce projet pilote montre un bon potentiel de l'approche Kodály pour les adultes dans un contexte de musique communautaire.

Boucher, H., Ons, B. et Tardif, C.(accepté). Jeux musicaux de cours d'école, d'hier à aujourd'hui au Québec : comparaison, évolution et applications pédagogiques. Musique en acte.
        Documents complémentaires.

Résumé

Les jeux musicaux de cours d’école (jeux de mains, de cordes à danser, d’élastiques, de ballons ou de poursuite) ont été recensés et analysés dans différents pays dont l’Australie, les États-Unis, l’Afrique du Sud, le Brésil et le Canada anglais pour être ensuite utilisés à des fins pédagogiques. Jusqu’à maintenant, aucune recherche similaire n’a été conduite au Québec et il n’existe pas en l’état de répertoire de jeux musicaux de cours d’école disponible en français. Dans la première phase de cette recherche, 20 jeux chantés enfantins ont été collectés sur le terrain dans diverses écoles provenant de trois régions administratives du Québec. Ces jeux musicaux ont été étudiés de façon systématique à l’aide d’une grille d’analyse et au regard de leurs caractéristiques musicales (mélodiques, rythmiques et de structures) et des éléments d’interprétation (tempo et registre). Parallèlement, nous avons extrait un corpus de 22 jeux musicaux issus d’un court métrage de l’ONF, intitulé « Comptines » et réalisé par Manon Barbeau en 1975, et qui met en scène des enfants prenant part aux mêmes types de jeux que nous avons pu observer dans notre recherche de terrain en 2022. Dans la seconde phase de notre recherche, une analyse comparative a été réalisée pour faire ressortir les différences et les similarités entre ces deux corpus, et ce à près de 50 ans d’intervalle. Finalement, des pistes d’utilisations pédagogiques sont discutées pour l’insertion de ce répertoire francophone en enseignement de la musique au primaire.

Boucher, H., Lee, J. Y. M. et Tardif, C. (accepté). Mentoring as a tool for the development of the preservice early childhood music teacher:
       A pilot study using the classroom assessment scoring system (CLASS). International Journal of Music in Early Childhood.

Résumé

Cet article porte sur le mentorat comme outil d'apprentissage pour l'enseignant spécialisé en musique dans la petite enfance. Le but de cette étude pilote était d'évaluer le développement de trois enseignants de musique à la petite enfance dans une expérience de mentorat de 7 semaines et d'analyser les commentaires fournis par le mentor et son influence sur le développement des mentorés. De plus, l'utilisation du Classroom Assessment Scoring System (CLASS) avec des spécialistes en musique a été examinée et comparée aux résultats publiés par les éducateurs de la petite enfance afin d'évaluer son potentiel d'utilisation à plus grande échelle. Nos résultats indiquent que deux des trois participants se sont améliorés de manière significative sur certaines des dimensions étudiées. Le plus grand nombre de commentaires reçus par les mentorés concernait le format d'apprentissage de l'instruction. Aucune association significative n'a été trouvée entre les catégories de rétroaction et d'amélioration. Enfin, par rapport aux résultats publiés, une corrélation significative de l'outil CLASS a été trouvée entre les professeurs de musique et les éducateurs de la petite enfance. Par conséquent, l'outil a le potentiel d'être utilisé avec des spécialistes de la musique dans le futur. Davantage de ressources devraient être allouées à la recherche sur le mentorat en tant que complément utile à la formation formelle à laquelle les professeurs de musique ont généralement accès.

Ricard, J. et Boucher, H. (2024). L’apport d’une formation professionnelle Kodály sur le développement des compétences en solfège des enseignant·e·s
       de musique. Revue musicale OICRM, 11(1), 99-117. https://revuemusicaleoicrm.org/wp-content/uploads/2024/07/5_Article_RMO_11.1_Boucher-Ricard.pdf

Résumé

L’enseignement de la musique requiert de nombreuses compétences. Or, plusieurs enseignant·e·s rapportent des lacunes en formation auditive, ce qui affecte la qualité de leurs interventions en classe. L’objectif de cette étude de cas multiples était de mesurer l’effet d’une formation professionnelle Kodály sur le développement des compétences et stratégies utilisées en solfège. Suite à la formation, les participantes (N = 7) ont eu des gains significatifs lors des tests de solfège mélodico-rythmiques. De plus, trois profils se sont dessinés en relation avec les stratégies utilisées. Selon leur niveau initial de compétence, les personnes ayant une éducation plus avancée avaient recours à des stratégies telles l’analyse harmonique, alors que celles avec une formation moins élaborée utilisaient la mémorisation des intervalles, tandis que celle ayant le moins d’apprentissage formel s’appuyaient sur le contour mélodique. Les participantes des trois profils ont évolué de façon distincte, intégrant de nouvelles stratégies selon leurs antécédents musicaux.

Tardif, C., Boucher, H., Lane, J. et Barbeau, A. K. (2024). Music performance anxiety in children 9 to 12 years old in a music program.
        Psychology in the Schools, 61(2), 671–685. http://doi.org/10.1002/pits.23079

Résumé

Cette étude vise à décrire les manifestations d'anxiété de performance musicale (APM) telles que rapportées par des musiciens débutants participant à un programme scolaire intensif en musique et à identifier les facteurs qui peuvent contribuer à son développement. 164 élèves de 9 à 12 ans ont participé à l'étude. Les données ont été recueillies à l'aide d'un questionnaire sociodémographique et du Music Performance Anxiety Inventory for Adolescents (Osborne et Kenny, 2005). Même si l'on s'attendait à ce que la participation à un programme de musique intensif amène les étudiants à déclarer des niveaux plus élevés d'APM, les résultats ont montré des niveaux modérés. De plus, les filles ont rapporté significativement plus de manifestations d'APM que les garçons et l'origine de l'inscription au programme (demande de l'enfant ou suggestion des parents) a été un modérateur significatif. En effet, les élèves du 2e cycle ont déclaré significativement moins d'APM que les élèves du 3e cycle lorsque la demande provient de l'enfant.

Barbeau, A.-K., Boucher, H., et Héroux, I. (2023). The effects of the pandemic on music teaching in schools in Quebec (Canada) in the spring and fall
       of 2020. International Journal of Music Education. http://dx.doi.org/10.1177/02557614231157101

Résumé

Les mesures de confinement liées à la COVID-19 ont apporté de nombreux changements dans nos vies et contraint les enseignants du monde entier à adopter de nouvelles pratiques variées. Compte tenu de ses exigences spécifiques en matière d'éducation et de ses nombreux centres de services scolaires, la province de Québec, Canada, a été choisie pour étudier les effets de la pandémie sur l'enseignement de la musique dans les écoles au printemps et à l'automne 2020. Un sondage électronique a été distribué, auquel 517 enseignants du primaire et du secondaire ont répondu. Les enseignants ont fait état de la transformation des modes d'enseignement, passant d'une pratique exclusivement en personne à une approche en ligne ou bimodale. La poursuite et l'interruption des programmes de musique a considérablement varié d'une école à l'autre et, pour ceux qui étaient autorisés à pratiquer des activités musicales, différentes mesures de protection sanitaire ont été mises en place. Les enseignants travaillant en grands ensembles (p. ex., harmonie, orchestre) ont connu le plus d'interruptions dans leurs programmes de musique. Les enseignants ont également indiqué dans quelle mesure leur planification a été affectée par les nouveaux modes d'enseignement. Cela dit, quels que soient les modes utilisés, la plupart d'entre eux ont ressenti une baisse de motivation pour l'enseignement au cours du printemps 2020. En outre, ils ont estimé qu'il était plus motivant pour les élèves de recevoir un enseignement en personne. Enfin, les conséquences positives de la pandémie sur l'éducation incluent le développement de nouvelles compétences en lien avec l'utilisation des ressources numériques et l'enseignement en ligne, ainsi qu'un sentiment renouvelé de solidarité entre les enseignants.

Ryan, C., Boucher, H. et Ryan, G. (2023). Practice, performance, and anxiety: A Pilot Study on Student Perception of Parental Involvement and Formal Music Lessons. Music and Science, 6. https://journals.sagepub.com/doi/10.1177/20592043221145000

Résumé

Les parents jouent un rôle important dans le développement musical de leurs enfants. Cependant, l'impact qu'ils ont sur la formation et l'expérience des enfants en matière d'interprétation musicale commence à peine à être étudié. La présente étude vise à examiner la perception des enfants en lien avec l'implication de leurs parents dans leur formation musicale et leurs expériences de l'anxiété lors des prestations. Soixante-deux élèves en piano âgés de 11 à 17 ans ont rempli un questionnaire concernant leurs études de piano, l'implication de leurs parents dans celles-ci et la formation musicale antérieure de leurs parents. Ils ont également complété des mesures d'anxiété de performance et d'estime de soi. Les résultats ont indiqué que la formation musicale antérieure des parents était un prédicteur significatif de l'anxiété de performance chez leurs enfants. L'âge des participants, l'estime de soi et le temps de pratique étaient également des prédicteurs significatifs. Les mesures de l'implication des parents dans les études musicales et la réaction des parents lors des performances n'ont pas eu d'impact significatif sur les résultats d'anxiété de performance. Les implications de ces résultats et les orientations pour l'approfondissement de cette ligne de recherche sont discutées.

Tardif, C., Boucher, H et Lane, J. (2022). Analyse de pratique d'enseignement observés: les pratiques liées à l'atmosphère de la
       classe dans un programme musique-études. Recherche en éducation musicale, 37, 43-71.
        https://www.mus.ulaval.ca/sites/mus.ulaval.ca/files/2022-12/recherche-education-musicale-37_0.pdf

Résumé

L’objectif de cette étude était d’analyser et de décrire des pratiques d’enseignement observées dans un PPP en musique-études au primaire et, plus spécifiquement, celles liées à l’atmosphère de la classe. Les pratiques de quatre enseignantes ont été filmées lors de trois périodes distinctes et en présence de différents groupes-classes de la 3e à la 6e année du primaire. Une approche méthodologique mixte privilégiant une analyse quantitative et qualitative des données a été utilisée. Les résultats démontrent que les pratiques observées par vidéographie sont similaires d’une enseignante à l’autre et d’un temps d’observation à l’autre. En somme, les enseignantes utilisent globalement davantage de marques de désapprobation que d’approbation. Les élèves des 3e et 4e années du primaire reçoivent également plus de rétroaction que ceux des 5e et 6e années. Certaines distinctions sont toutefois perceptibles grâce à la description qualitative des données. L’organisation de la classe et l’instrument enseigné pourraient notamment influencer les pratiques des enseignantes.

Tardif, C., Boucher, H. et Lane, J. (2022). Bien-être en classe de musique d’élèves du primaire inscrits à un programme Arts-études. Revue musicale OICRM, 9(2), 83-101.
        http://dx.doi.org/10.7202/1096930ar

Résumé

L’objectif de cet article est de décrire le bien-être psychologique de 164 élèves de la 3e à la 6e année du primaire inscrits à un programme Arts-études en musique au Québec. Les résultats soulignent des différences significatives selon le genre et le niveau scolaire des participants. Entre autres, les filles rapportent plus de plaisir et de motivation que les garçons. Les élèves de 6e année indiquent éprouver moins de plaisir, de satisfaction, de motivation, avoir une moins haute estime de soi et une perception plus négative du climat d’appartenance que ceux de 3e et de 4e année. L’origine de la participation au programme (suggestion des parents ou demande de l’enfant) serait un modérateur de ces effets. Il semble ainsi qu’une attention particulière doit être portée quant au bien-être en classe des garçons de 6e année dont les parents suggèrent la participation à un tel programme.

Ryan, C., Boucher, H. et Ryan, G. (2022). Children’s feelings about piano performances across a year of study. International Journal of Music Education, 40(3), 392–406
        http://dx.doi.org/10.1177/02557614211066342

Résumé

Les prestations musicales en solo sont des expériences courantes pour les enfants qui apprennent à jouer d'un instrument, cependant peu de recherches ont porté sur ce sujet et celles-ci s'intéressent principalement aux enfants plus âgés et aux adolescents. Le but de la présente étude était d'examiner les émotions vécues par de jeunes enfants en ce qui concerne leurs performances au cours d'une année d'étude. Quarante et un enfants ont répondu à une entrevue portant sur leurs leçons de piano et leurs expériences de performance à la fin de deux semestres consécutifs. Ils ont également compété une échelle picturale portant sur les émotions en lien avec leurs prestations, lors de l'entrevue et suite à deux récitals de piano. Les résultats indiquent que les enfants sont remarquablement cohérents dans leur ressenti au sujet de leurs performances musicales, avec peu de changements significatifs en lien avec les temps de mesure et les contextes. Les analyses de corrélation indiquent des changements dans les relations entre le ressenti en lien avec la performance et certaines variables de l'étude au fil du temps - en particulier l'âge, l'appréciation des leçons et des prestations, le temps de pratique et la perception de leur qualité de pianiste. L'analyse de régression au trimestre d'automne indique que le sexe et l'âge sont des prédicteurs significatifs du ressenti au sujet de la performance, les plus jeunes enfants et les garçons rapportant un sentiment plus positif. Au printemps, les résultats sont différents et le seul prédicteur significatif est leur appréciation des cours de piano. Les implications et les orientations pour de futures recherches sont discutées.

Héroux, I., Boucher, H., Tardif, C. et Barbeau, A.-K. (2022). Développement d'outils pour l’analyse des ressources numériques utilisées pour
        l’enseignement de la musique en contexte scolaire québécois pendant la pandémie. Revue musicale OICRM, hors série, 1-20.
        http://dx.doi.org/10.7202/1088243a

Résumé

La crise sanitaire mondiale de COVID-19 a eu de nombreux impacts sur le monde de l’éducation et celui-ci a dû adapter ses pratiques en ayant recours à une variété de ressources numériques. Alors que le gouvernement québécois misait sur une amélioration des compétences numériques des enseignants et des élèves depuis plusieurs années, cette transformation s’est opérée de façon accélérée. Dans le but de comprendre l’utilisation faite des ressources numériques par les enseignants en musique du primaire et du secondaire pendant la pandémie, nous avons développé des outils permettant d’en analyser l’usage. Pour ce faire, nous avons d’abord élaboré une typologie permettant d’identifier la nature des ressources numériques pour l’enseignement de la musique. Celle-ci a constitué la première phase du développement d’un modèle conceptuel opératoire permettant une compréhension de l’utilisation des ressources numériques. Ce modèle de forme triangulaire est composé de trois pôles, la ressource, l’enseignant et l’apprenant, et permet d’illustrer la nature fluide des différentes relations entre ces pôles. Ce modèle explicatif peut être étendu à différentes disciplines ainsi qu’à divers systèmes scolaires.

Boucher, H., Héroux, I. et Barbeau, A.-K. (2022). Notes de terrain: Les impacts de la pandémie ​sur les pratiques en enseignement de la musique en scolaire ​québécois.
        Revue musicale OICRM, hors série, 121-131. http://dx.doi.org/10.7202/1088247a

Résumé

Lors de la pandémie de COVID-19, les écoles du Québec ont dû fermer leurs portes pour limiter les contacts sociaux et ainsi contrôler la transmission du virus. Dans le but de comprendre de quelle façon l’enseignement de la musique a été affecté, nous avons sondé de manière électronique 517 enseignant·e·s en musique de différentes régions du Québec. Nos résultats permettent d’observer les impacts de la première vague, au printemps 2020, notamment sur la transformation des modalités d’enseignement, passant d’une pratique exclusivement présentielle à un système à distance ou bimodal. Plusieurs difficultés identifiées étaient liées à l’organisation scolaire, au surplus de travail, au stress induit par la peur, à la lourdeur des mesures sanitaires, à l’augmentation du temps de planification de l’enseignement et à une baisse de motivation. Les formations offertes par les institutions ne répondaient que peu aux besoins des enseignant·e·s, qui se sont alors tourné‧e‧s vers l’autoformation, l’entraide et le partage entre les pairs. Ces notes de terrain permettent de contextualiser les résultats présentés dans ce même numéro, dans l’article « Développement d’outils pour l’analyse des ressources numériques utilisées pour l’enseignement de la musique en contexte scolaire québécois pendant la pandémie ».

Gaudette-Leblanc, A., Boucher, H., Bédard-Bruyère, F., Pearson, J., Bolduc, J. and Tarabulsy, G.M. (2021). Participation in an early childhood music programme and socioemotional
       development: A meta-analysis. International Journal of Music in Early Childhood, 16(2), 131-153. http://dx.doi.org/10.1386/ijmec_00032_1

Résumé

La musique est de plus en plus reconnue comme ayant un rôle social, dans la mesure où elle est liée à la régulation émotionnelle et aux interactions précoces dans la petite enfance et les années préscolaires. L'objectif de cette méta-analyse était d'examiner l'impact de la participation à un programme musical pour la petite enfance sur les indices de développement socio-émotionnel chez les enfants de moins de 6 ans. Le résultat global a montré un effet modéré (N = 681, k = 11, d = 0,57, p < 0,001). Les analyses de modération ont révélé que le type d'évaluation (mesure d'observation, mesure rapportée ou autres types d'évaluation) influençait de manière significative la taille de l'effet (Q′ = 25,26, p < 0,001). Aucune autre analyse de modération n'était significative. Bien que ces résultats soient prometteurs, suggérant que la participation à un programme musical pour la petite enfance contribue au développement socio-émotionnel des enfants, des études plus rigoureuses sont nécessaires pour évaluer l'impact de la participation à un programme musical sur le développement socio-émotionnel.

Ryan, C., Boucher, H. et Ryan, G. (2021). Performance preparation, anxiety, and the teacher: Experiences of adolescent pianists. Revue
       musicale OICRM, 8(1), 53-77. https://revuemusicaleoicrm.org/rmo-vol8-n1/performance-adolescent-pianists/

Résumé

L'objectif de cette étude était d'examiner les expériences des adolescents pianistes lors de leurs cours particuliers et de leurs représentations en solo en ce qui concerne la préparation au concert et l'anxiété liée à la performance musicale (APM). Une attention particulière a été portée à la relation élève-enseignant et au rôle potentiel des enseignants dans la préparation, l'expérience et l'anxiété des élèves en situation de performance. 62 étudiants en piano ont répondu à des questionnaires portant sur leurs leçons privées, leur enseignant et leurs expériences de concert, ainsi qu'à deux questionnaires, l'un portant sur l'estime de soi et l'autre sur l'anxiété liée à la performance musicale. Les résultats indiquent que l'estime de soi et la pratique sont des prédicteurs significatifs de l'APM, l'estime de soi ayant l'effet le plus notable. Près de la moitié des participants ont déclaré se sentir nerveux pendant leurs cours au moins une partie du temps. La plupart des étudiants ont noté que leurs professeurs les encouragent à se produire en public; cependant, seulement la moitié d'entre eux ont déclaré qu'ils abordaient les questions de préparation à la performance. Moins de la moitié des participants ont indiqué qu'ils discutaient des stratégies de mémorisation ou de la gestion de l'APM avec eux, ou qu'ils organisaient des cours de pratique et d'interprétation. Les implications pour les professeurs de musique et les orientations futures de la recherche sont discutées.

Boucher, H., Gaudette-Leblanc, A. Raymond, J. et Peters, V. (2021). Musical learning as a contributing factor in the development of socio-
       emotional competence in children aged 4-5 : An exploratory study in a naturalistic context. Early Child Development and Care, 191(12), 1922-1938.
        http://dx.doi.org/10.1080/03004430.2020.1862819

Résumé

Différents chercheurs ont démontré que le développement socio-affectif des jeunes enfants peut bénéficier de la participation à un programme musical. Dans cette étude, nous avons exploré l'association entre la participation à un programme général de musique et le développement de compétences socio-émotionnelles en relation avec la durée du programme. Des enfants âgés de 4 et 5 ans (N = 50), d'un quartier socio-économique défavorisé, ont participé à un programme d'éveil musical de 8 ou 15 semaines. Le développement des compétences sociales et la compréhension des émotions des enfants ont été mesurés. Les enseignants ont signalé une augmentation des compétences d'interaction sociale et d'indépendance des enfants plus jeunes et une diminution des compétences de coopération des enfants plus âgés. De plus, les enfants plus âgés ont montré une augmentation de leur compréhension des émotions. La durée du programme n'a cependant pas produit d'effet significatif. Les résultats suggèrent que l'association entre la participation à un programme musical et le développement des compétences socio-émotionnelles peut être influencée par l'âge des enfants.

Boucher, H. et Moisey, T. (2019). A lived experience of a philosophy of music education inspired by the work of Canadian composer R. Murray
        Shafer. Creative Education, 10(10), 2111-2131. http://dx.doi.org/DOI:10.4236/ce.2019.1010153

Résumé

L'apprentissage expérientiel est une approche éducative qui a été associée à différents domaines, dont l'éducation musicale, mais rarement à la philosophie. Notre projet consistait en une expérience philosophique en action utilisant le travail du compositeur canadien R. Murray Schafer. Dans sa conception des paysages sonores, tous les sons d'un environnement font partie de la musique qui nous entoure. Des enseignants en formation ont été initiés à sa philosophie de l'éducation musicale par le biais d'un apprentissage expérientiel plutôt que par un exposé de type traditionnel. En outre, nous avons suivi trois d'entre eux alors qu'ils enseignaient en 3e, 9e et 11e année. Notre objectif était de voir dans quelle mesure l'apprentissage expérientiel d'une philosophie pouvait être un outil pédagogique approprié dans l'enseignement supérieur. Notre question de recherche était la suivante : Comment les étudiants-enseignants peuvent-ils construire leur propre compréhension d'une philosophie de l'éducation musicale après l'avoir expérimentée du point de vue de l'étudiant et de l'enseignant ? Les données suivantes ont été examinées par le biais d'une analyse thématique collaborative de 1) une question ouverte, 2) leur propre composition musicale suivant les lignes directrices de Shafer, et 3) leur expérience de l'enseignement aux enfants. Les participants ont pu expliquer avec leurs propres mots les principaux éléments de la vision de Shafer sur l'éducation musicale, ils ont décrit comment ils pouvaient utiliser cette vision dans leur propre enseignement et ils ont identifié des résultats spécifiques (créativité, liberté, motivation et pensée critique) découlant de l'utilisation de cette approche. Une des conclusions de ces travaux est que l'apprentissage expérientiel peut être un outil approprié pour enseigner des sujets traditionnellement considérés comme purement théoriques.

Primeau, D. et Boucher, H. (2019). Quête d’une épistémologie pour l’enseignement et la recherche. Canadian Music Educator, 60(4), 21-26.

Résumé

Pour les étudiants aux cycles supérieurs et en fin de baccalauréat, inscrire leur enseignement et leur recherche dans un cadre épistémologique peut être une démarche ardue, mais essentielle à l’établissement d’une cohérence dans leur démarche. Cet article présente une étude de cas ayant pour but de documenter le processus de développement d’une épistémologie pour l’enseignement et la recherche, tel que vécu par une étudiante au doctorat en enseignement de la musique. Les travaux complétés par celle-ci dans le cadre de ses cours portant sur la philosophie de l’enseignement et de la recherche, de même que ses témoignages ont constitué les données ayant servi à l’analyse. L’étudiante a également pris part à l’étude à titre de co-chercheure donnant lieu à une approche collaborative permettant de compléter, clarifier et mieux comprendre les données tout au long de l’analyse et de l’écriture. Une évolution dans le développement de l’épistémologie de la participante a été observée, tant comme enseignante que comme chercheure, passant d’une approche empiriste à une prise de position s’inscrivant dans le paradigme du pragmatisme. On a aussi pu observer qu’elle est au début d’un processus de développement de ses compétences en ce qui concerne l’épistémologie et les méthodes de recherche et que certains concepts demeurent à être éclaircis. Finalement, malgré certains défis dans sa démarche, elle demeure positive quant à l’utilité de celle-ci, y voyant des gains sur le plan de la cohérence et des valeurs sous-jacentes à sa pratique. Puisque peu de chercheurs se sont penchés sur ces questions, la documentation de ce processus nous semble aidante dans la normalisation de cette expérience pour les étudiants, tout en permettant d’outiller les professeurs qui les encadrent lors d’une telle démarche.

 

Boucher, H. (2019). For a cultural adaptation of the Kodaly approach for French Québécois including the use of the fixed do system. Canadian Music
       Educator, 60 (3), 14-22.

Résumé

Kodaly a développé une méthode de formation musicale très structurée et séquencée. Avec l'aide de ses étudiants, cette approche a été exportée vers de nombreux pays dans le monde, atteignant un nombre élevé d'enseignants et d'étudiants. Au cours de ce processus, un défi de taille est apparu: chacun de ces lieux possède une culture musicale unique. Kodaly était tout à fait conscient de cette réalité et a encouragé les enseignants à utiliser la musique de leur propre culture, qu'il percevait comme la langue maternelle musicale des enfants. Par cet article, nous affirmons que l'utilisation du Do fixe ou du Do mobile comme système de décodage de la musique est également un élément culturel et, par conséquent, que les enseignants doivent adapter, ou plutôt s'approprier, la vision de Kodaly de façon à prendre en compte cet élément culturel. La culture musicale et son rôle dans la société sont d'abord discutés, suivis d'une brève histoire du système du Do fixe et de son adoption par les Québécois francophones. Un regard critique sera ensuite posé sur des articles identifiant les points forts et les faiblesses inhérents à chaque système, suivis d'une présentation des études expérimentales comparant l'efficacité des deux systèmes. Enfin, une adaptation de l'approche Kodaly, pour les élèves évoluant dans le système du do fixe et plus particulièrement aux francophones du Québec, sera présentée; de même que les étapes nécessaires pour rendre le tout accessible au plus grand nombre.

Boucher, H. et Ryan, C. (2011). Performance stress and the very young musician. Journal of Research in Music Education, 58(4), 329-345.

Boucher, H. (2009). The occurrence of performance anxiety in early childhood. Proceedings of the Second International Conference of Students of
       Systematic Musicology, pp. 32-33.

Résumé

L'anxiété liée à la performance est une expérience courante chez les musiciens. Des études récentes ont montré qu'il s'agissait d'un problème non seulement pour les interprètes adultes, mais aussi pour les musiciens en développement dès la troisième année d'école. La question de sa nature développée ou innée a conduit à la présente étude concernant les réponses des jeunes enfants aux situations de performance. Soixante-six enfants de 3 et 4 ans ont participé à des cours de musique collectifs qui se sont terminés par deux concerts. L'auto-évaluation de l'anxiété anticipée, la sécrétion de cortisol et l'observation des comportements anxieux ont été les principales mesures. Les résultats indiquent que les jeunes enfants éprouvent de l'anxiété à l'égard des spectacles musicaux et que les réponses semblent avoir des composantes innées et développées. Les enfants ayant déjà participé à des concerts ont déclaré moins d'anxiété anticipée, mais leur taux de cortisol était plus élevé que ceux qui n'avaient pas d'expérience préalable. En outre, le lieu de la représentation semble jouer un rôle dans les réactions d'anxiété des enfants. Ceux qui étaient familiés avec leur environnement de représentation ont réagi avec moins d'anxiété que ceux qui ne l'étaient pas. Dans l'ensemble, les deuxièmes représentations dans un court laps de temps ont suscité des réactions d'anxiété beaucoup plus faibles que les premières représentations. Les résultats concernant le lieu de la performance et les secondes performances semblent avoir des implications pédagogiques directes, qui peuvent aider à réduire le stress lié à la performance chez les jeunes enfants.

Boucher, H. (2008). The occurrence of performance anxiety in early childhood. (Doctoral Dissertation). McGill University, Montreal.

Résumé

L’anxiété de performance est mentionnée par plusieurs musiciens comme faisant partie de leur vie. Même des apprentis musiciens, dès l’âge de huit ans, vivraient de l’anxiété de performance. Bien que plusieurs chercheurs considèrent qu’il s’agit là d’un phénomène acquis, se développant pendant l’enfance, ses premières manifestations n’ont jamais été étudiées. L’objectif de cette recherche était donc de documenter l’existence du stress lié à la performance musicale chez les très jeunes enfants. Soixante-six enfants, âgés de trois et quatre ans, ont été recrutés dans deux garderies publiques francophones de Montréal. Suite à une formation musicale de dix semaines, ils ont participé à deux concerts. Les différentes mesures comprenaient : 1) un questionnaire parental portant les activités de performance de leur enfant de même que sur les leurs, 2) une autoévaluation du stress anticipatoire, 3) un pré post test physiologique mesuré par les niveaux de cortisol salivaire et, 4) un pré post test de l’observation de comportements indiquant du stress.
Les parents ont rapporté que leurs enfants, dès l’âge de trois ans, prenaient part à des prestations musicales. Les niveaux de cortisol et de comportements indiquant du stress ont été significativement plus élevés au premier concert que lors d’une journée normale, alors que seuls les comportements indiquant du stress ont été significativement plus élevés au deuxième concert que lors d’une journée normale, ce qui semble indiquer une élévation du stress en situation de concert. Les enfants ayant des expériences antérieures ont rapporté un degré significativement moins élevé de stress anticipatoire tout en ayant des niveaux de sécrétion de cortisol significativement plus élevés au premier concert que les enfants sans expériences antérieures. Aucune différence significative n’a été trouvée pour le genre. L’endroit où se sont déroulés les concerts semble avoir eu un impact sur l’augmentation du stress puisque les enfants dont le concert s’est déroulé dans un environnement qui ne leur était pas connu ont eu des degrés de cortisol et de comportements indiquant du stress significativement plus élevés. Les enfants de trois et quatre ans semblent vivent une élévation du stress lors d’une prestation musicale et le lieu du concert influencerait leur niveau de stress. Il semble s’agir d’une condition acquise, puisque les expériences antérieures sont liées à un plus haut degré de stress, de même qu’une condition innée puisqu’une élévation du stress a aussi été trouvée chez les enfants sans expériences antérieures.

       

Chapitres de livres

Boucher, H. et Gaudette-Leblanc, A. (accepté). Play-Based Learning and Music in Early Childhood. In Veblen, K.K.; Messenger, S.J., Dubé, F., & Duprés, J. (Eds.), Learning music through play in diverse
       contexts. Routledge Press in collaboration with ISME.

Résumé

In recent decades, many educational researchers and practitioners have adopted play as the desired vehicle to support young children’s learning and development. As a result, a significant body of knowledge about the role of play in young children has emerged. This chapter presents different views associated with the pedagogy of play and systematically reviews the literature on music and play in early childhood in relation to musical learning and development. We included articles that responded to the following criteria: 1) participants were children aged 8 or younger, with typical development, 2) studies included a play-based learning approach, 3) studied outcomes were musical development or learning and 4) publication involved primary research. We analyzed the included studies within the framework developed by Pyle and Danniels (2017), which outlines a continuum of play-based learning in early childhood: free play, inquiry play, collaborative play, playful learning, and learning through games. We included 67 published articles from 24 different countries in this review. About two thirds of these studies took place in an educational setting, while the others were held in the home. Most of the researchers were interested in children’s Free Play, while Musical Development and Musical Learning were studied in similar proportions. We hope this chapter will help early childhood researchers and practitioners consolidate their understanding of diverse perspectives associated with the pedagogy of play and music.

Boucher, H. et Ricard, J. (soumis). Développement d’une typologie des différentes approches de l’enseignement du rythme. Dans H. Boucher et
       V. Bouchard-Valentine, Recherche en musique : perspectives contemporaines. Presses de l'Université Laval.

Résumé

L’enseignant en musique, quelle que soit l’approche pédagogique qu’il utilise, la clientèle avec laquelle il travaille et le programme dans lequel il évolue, est tenu de supporter les élèves dans le développement de leur compréhension des éléments rythmiques. L’objectif de cette recherche était de développer une classification des approches pédagogiques utilisées dans l’enseignement de ces concepts et d’en faire ressortir les spécificités liées à la langue d’enseignement, le français ou l’anglais. La méthode de recherche utilisée, d’ordre historique et analytique, comprend dans un premier temps une recherche systématique des écrits, puis l’utilisation d’une grille d’analyse servant à construire la classification des approches pédagogiques. Pour permettre une meilleure conceptualisation de cet enseignement, nous avons établi une classification en trois catégories : les systèmes syllabiques, les systèmes par mots et les systèmes par compte des temps. De plus, pour une compréhension de leur évolution, nous brossons un portrait historique soulignant les contributions des pédagogues francophones et anglo-saxons aux différents systèmes de la classification. Cet article constitue donc une typologie permettant de mieux comprendre les pédagogies actuelles des éléments rythmiques.   

Boucher, H., Lierse, S. and Marzano, G. (2022). A Dialogical view on R. Murray Schafer's theories and creative approaches in 21st century music education. In
       G. Marzano (dir.), Sustaining Creativity and the Arts in the Digital Age (p. 292–325). IGI Global. http://dx.doi.org/10.4018/978-1-7998-7840-7

Résumé

Le plus récent Forum économique mondial a identifié la créativité comme l’une des principales compétences nécessaires à la main-d’œuvre d’ici 2020. Cependant, certaines organisations jugent que l’innovation et le changement sont trop risqués. Il a été préconisé que les arts fassent partie intégrante des programmes d’enseignement afin de développer la créativité en tant que compétence transférable. Le compositeur canadien Raymond Murray Schafer (né en 1933) est un pionnier de l'enseignement de la créativité. Il estime que les objectifs de l'éducation musicale devraient être plus larges et holistiques et aller au-delà des salles de classe pour former des citoyens dans une démocratie idéale. Schafer est également reconnu pour ses méthodes novatrices d'enseignement et d'apprentissage de la musique dans les écoles. Il encourage les enfants à être créateurs et à trouver des sons provenant de sources inhabituelles dans leur propre environnement pour créer. Les approches de Schafer en matière d’éducation musicale ont été populaires, en particulier dans les années 1970 et 1980, alors qu’elles étaient utilisées dans le monde entier. Cet article discute la façon dont les approches de Schafer en matière d’éducation musicale peuvent être appliquées à l’ère technologique actuelle pour développer une main-d’œuvre hautement créative. Il est ancré dans le cadre du dialogisme bakhtinien ainsi que dans la théorie socio-constructiviste de Vygotsky. L’objectif est d’utiliser et de mettre à jour une philosophie de l’enseignement de la musique développé au XXe siècle et propose une approche novatrice de la créativité pouvant désormais toucher un public plus large grâce à l’ère du numérique. Il en résulte un modèle dialogique de créativité à travers le temps, dans lequel le passé et le futur sont imbriqués autour de l'axe du présent, et dans lequel il n'y a ni premier, ni dernier mot.

Gaudette-Leblanc, A., Raymond, J. et Boucher, H. (2019). L’éducation musicale au préscolaire: Données issues de la recherche et idées pédagogiques. Dans I. Deshaies et J.-M. Mirond
        (dir.), Tisserands d'enfance: le développement de l'élève de 4-5 ans. Montréal : Les Éditions JFD.

Résumé

L’éducation musicale à l’âge préscolaire est devenue un incontournable. Quotidiennement, la majorité des enseignants ont recours à la musique lors des activités de routine et lors des transitions en vue de soutenir le développement des compétences sociales et scolaires des enfants (Gillespie et Glider, 2010; Ritblatt, Longstreth, Hokoda, Cannon et Weston, 2013). À ce sujet, les résultats de nombreuses recherches suggèrent que la pratique régulière d’activités musicales contribue au développement global des enfants (Dumont, Syurina, Feron, et van Hooren, 2017). À titre d’exemple, à ce jour, de nombreux travaux menés auprès d’enfants d’âge préscolaire ont indiqué que les activités rythmiques seraient favorables au développement des habiletés langagières (Degé et Schwarzer, 2011; Frischen, Schwarzer et Degé, 2019) en plus de favoriser l’adoption de comportements prosociaux (Kirschner et Tomasello, 2010; Tunçgenç et Cohen, 2018; Wan et Fu, 2019).

Qui plus est, la pratique d’activités musicales semble être appréciée et recherchée par les enfants. En effet, malgré l’ère des nouvelles technologies dans laquelle nous évoluons, il reste fréquent d’observer les enfants s’initier entre eux aux jeux chantés dans les cours de récréation, les ruelles et les camps de vacances (Brodsky et Sulkin, 2011; Veblen, Kruse, Messenger et Letain, 2018). Ces jeux musicaux (chants, jeux de mains) font partie de l’héritage présent dans de nombreuses cultures. Ils offrent aux enfants la possibilité de répéter plusieurs fois les mêmes activités, leur permettant de ressentir du plaisir, de s’améliorer et de vivre des succès. L’engagement et la joie suscités par l’intégration de la pratique active de la musique, dans un contexte ludique, en font un outil pédagogique particulièrement attrayant et efficace (Koops, 2017). Pour toutes ces raisons, il semble essentiel d’encourager la pratique de la musique à l’âge préscolaire. L’objectif de ce chapitre est de mettre en lumière les façons dont les habiletés reliées à chacune des sphères du développement global (cognitive, langagière, motrice, affective, sociale) sont mises en action lors de différentes activités musicales. Les pages de ce chapitre mettent en évidence les connaissances acquises par la recherche à ce sujet au cours des dernières années. Afin d’illustrer le tout, des activités concrètes à expérimenter en classe sont proposées.

       

Outils pédagogiques

Boucher, H. et al. (en cours). Base de données électronique de chansons folkloriques pour l'enseignement de la musique au Québec selon la méthode Kodaly.

Résumé

La méthode Kodaly a été développée sous la direction du compositeur hongrois Zoltán Kodály (1882-1967) en tant qu'approche structurée de l'éducation musicale. Au cœur de cette vision, la musique issue de la culture et de la langue de l'apprenant est perçue comme la meilleure musique à des fins pédagogiques. Cette vision a été adaptée à de nombreux pays et cultures dans le monde.
Une collection de chansons folkloriques en langue française, mettant l'accent sur la culture musicale québécoise, est en cours de développement. L'objectif est de générer une base de données qui inclura une vaste collection de chansons, le tout permettant au musicien-éducateur d'enseigner les différents savoirs essentiels. Celle-ci inclura également une analyse détaillée de ces chansons offrant un système efficace pour en identifier les fins pédagogiques. Ce projet compte maintenant plus de 200 chansons et continue de se développer.

   

Boucher, H. et Couture, J. (2022). Recueil musical et pédagogique pour le réseau choral des écoles québécoises. Alliance Chorale du Québec.
        https://www.rceq.org/fr/recueil-musical-et-pedagogique

Résumé

Ce recueil musical et pédagogique est conçu tout spécialement pour chaque cycle du primaire. En lien avec le programme du Ministère, ce recueil met en valeur la musique francophone d’ici par des suggestions pédagogiques, amusantes et efficaces. De plus, ce recueil “clés en main” facilite grandement la recherche de répertoire pour les chefs de chorale en milieu scolaire. Le recueil propose des chansons traditionnelles et folkloriques et des chansons d’auteurs, d’hier à aujourd’hui. Afin de favoriser l’écoute et le développement musical, des propositions ludiques sont offertes pour intégrer graduellement la polyphonie, que ce soit par des ostinatos rythmiques ou mélodiques, par des canons ou des quodlibets. Le recueil sera mis à jour régulièrement en enrichissant le répertoire de même qu'en ajoutant des sections de chansons sur thèmes classiques et des chansons illustrant le multiculturalisme du Québec.

Prix - RECONNAISSANCE AUX ORGANISMES / PRIX NATIONAL / ACCESSIBILITÉ EN LOISIR - pour l'élaboration du réseau choral des écoles québécoises.
"Le jury tient à souligner la qualité de la démarche, la large portée du projet ainsi que son potentiel pour rendre accessible la pratique auprès d’élèves du primaire de toutes les régions et de tous les milieux du Québec. Le projet bénéficie d’une structure solide, d’outils de qualité, d’une main-d’œuvre qualifiée et d’un réseau très bien établi. L’organisme démontre qu’il a tout mis en œuvre pour assurer la pérennité du projet : équipe, développement de partenariats, financement du projet et des coûts de participation. De plus, ce projet contribue à la conservation d’un patrimoine culturel immatériel."

           

Édition de revue

Boucher, H. (Éd.) Alla Breve. (2024). Volume 48. Société Kodály du Canada.
        https://drive.google.com/file/d/1v8T-5681YTLabqlv6M7s72yCvxHG3yc2/view

Boucher, H. (Éd.) Alla Breve. (2023). Volume 47. Société Kodály du Canada.
        https://drive.google.com/file/d/16k8Vwgcn0hcfXV_tgQB1DFHOcNBS0sjX/view

Boucher, H. (Éd.) Alla Breve. (2022). Volume 46. Société Kodály du Canada.
        https://drive.google.com/file/d/1a6eNlYHII5or94h2_4jNslLQRzh5G17N/view?usp=share_link
               

Publications dans des revues professionnelles

Boucher, H. et Lee, Jennifer Y. M. (accepté). Le coin Kodály. L’importance des échauffements vocaux avec nos chœurs d’enfants. Musique et pédagogie.

Résumé

L’expérience du chant collectif permet de vivre une réelle joie dans l’enseignement de la musique. Initier des enfants à mélanger leur voix à celles des autres pour créer de nouvelles sonorités qui ne peuvent exister lorsqu’on chante seul est un véritable plaisir pour les élèves eux-mêmes et pour l’enseignant.e. L'approche pédagogique, qui a évolué en Hongrie sous la direction de Zoltán Kodály, est en réalité plus qu’une méthode, il s’agit d’une réelle philosophie éducative qui a pour principe fondamental l’utilisation de la voix, instrument naturel de l’enfant, pour débuter l’apprentissage de la musique (Choksy, 1981, p. 6-7). De plus, le chant collectif est un outil précieux pour développer le sens musical et est utilisé avec une intention précise : « Ceux qui chantent toujours à l’unisson n’apprennent jamais à chanter avec justesse. Le chant à l'unisson ne peut, paradoxalement, s'apprendre qu'en chantant à deux voix : c’est ainsi que les voix s'ajustent et s'équilibrent » (Kodály, cité dans Choksy, 1981, p. 109). Chanter étant une activité physique, le corps et la voix gagnent à être mis en action graduellement et de façon à soutenir les habiletés vocales des enfants. Pour ce faire, l’enseignant.e a recours, entre autres, à divers exercices d’échauffement. Cet article présentera, dans un premier temps, des résultats de recherche portant sur l’apport des échauffements au développement des chœurs d’enfants, puis la vision kodálienne du rôle et de la façon d’approcher ceux-ci seront partagée. Finalement, des exemples concrets, ludiques et clairement liés au répertoire ou aux besoins des chanteur.euse.s, seront présentés.

Boucher, H. et Gaudette-Leblanc, A. (2024). Music and play in early childhood/La musique et le jeu en petite enfance. Alla Breve, 48, 20-27.
       https://drive.google.com/file/d/1v8T-5681YTLabqlv6M7s72yCvxHG3yc2/view

Résumé

Le jeu est un élément naturel et essentiel de la vie des enfants et il leur donne l'occasion d'explorer, d'expérimenter et d'apprendre dans un environnement sûr et favorable (Dansereau, 2015; Nieuwmeijer et al., 2019). Les approches d'apprentissage basées sur le jeu se sont révélées efficaces pour promouvoir le développement cognitif, social, émotionnel et physique des enfants (Pramling-Samuelsson et Johansson, 2006). Dans cet article, nous passons en revue la littérature sur la musique et le jeu dans la petite enfance en examinant les différents types d'apprentissage par le jeu, de même que leur nature interactive dans le processus d'apprentissage.

Boucher, H. (2024). Le coin Kodály. L’évaluation et la nécessaire souplesse des interventions pédagogiques Musique et pédagogie, 38(2).
        https://www.fameq.org/fr/page-detail/le-coin-kodaly-levaluation-et-la-necessaire-souplesse-des-interventions-pedagogiques

Résumé

Les enseignant.e.s de musique qui utilisent la pédagogie Kodály mettent en œuvre une séquence pédagogique qui structure les apprentissages des élèves. Ils.elles s’appuient sur la nécessité de faire entendre et vivre la musique aux enfants, avant d’en présenter la notation. Choksy et al. (2001) résument la démarche ainsi : « le processus pédagogique par lequel les concepts et les compétences sont développés commence toujours par l'expérience musicale totale et passe progressivement aux abstractions de cette expérience, du connu à l'inconnu » (p. 140). Cette démarche pédagogique s’articule en quatre moments clés : la préparation, la conscientisation, le renforcement et l’évaluation. La préparation consiste à permettre à l’enfant de vivre les éléments musicaux par des chansons, des jeux, du mouvement ou du jeu aux instruments, le tout par imitation. L’enfant est donc peu conscient de ses apprentissages. Lorsqu’ils sont suffisamment préparés, l’enseignant.e amène les élèves à conscientiser les savoir : les comprendre, connaitre leurs nomenclatures et leurs représentations graphiques. Cette étape est suivie d’une longue période, le renforcement, pendant laquelle l’enfant mettra en application ses nouveaux savoirs de façon consciente. C’est le moment de la pratique. Celle-ci peut être individuelle, mais sera le plus souvent collective. Finalement, l’évaluation consiste 1) à lire ou à noter de façon autonome du nouveau matériel contenant le savoir musical, ou 2) à improviser ou composer en utilisant ce nouvel élément (Choksy et al., 2001). Dans ce modèle en quatre temps, l’évaluation est présentée comme une phase finale, qui n’arrive qu’en toute fin de séquence. Scott (2001) nous invite à prendre conscience que dans les faits, l’enseignant.e est constamment en train d’évaluer pour pouvoir ajuster ses interventions pédagogiques. « En ce sens, les enseignants de musique utilisent les informations recueillies lors de l’évaluation pour prendre des décisions avant, pendant et après l’enseignement » (p. 7). Ces propos invitent à une réflexion quant à l’importance du rôle de l’évaluation dans le processus décisionnel de l’enseignant.e.

Ryan, G., Ryan, C. et Boucher, H. (2023). Dear Caregivers of Music-Learners... Chers parents d’élèves musiciens… Canadian Music Educator, 65(1), 16-20.

Résumé

Le musicien éducateur est souvent la première personne que vont contacter les parents soucieux de permettre à leur enfant d’approfondir son apprentissage de la musique en dehors de l’école, notamment par des cours privés, des cours dans les organismes communautaires, ou un apprentissage informel à la maison. Nous savons qu’il y a beaucoup d’éléments à prendre en compte – plus que ce dont le parent moyen peut avoir conscience au départ – pour trouver le type d’apprentissage qui convient, encourager la persévérance, soutenir la pratique, et gérer les prestations. En tant que musiciennes éducatrices, professeures et chercheuses, nous avons rédigé une courte lettre destinée aux parents, dans le but de répondre à leurs questions et de donner des informations utiles à ceux qui sont à la recherche de recommandations. N’hésitez pas à la diffuser partout (et à l’afficher sur votre babillard!) afin que vos élèves et les adultes qui les entourent aient les meilleures chances de vivre des expériences musicales enrichissantes

Boucher, H. et Paradis, J. (2023). Le coin Kodály. Le chant et le développement des habiletés sociales. Musique et pédagogie,38(1).
        https://www.fameq.org/fr/page-detail/le-coin-kodaly-le-chant-et-le-developpement-des-habiletes-sociales

Résumé

Le chant collectif est source de plaisir pour l’être humain. Il lui permet de se retrouver au centre d’un monde sonore, de partager un but commun et de vivre des expériences enrichissantes. Cet article portera d’abord un regard sur les données probantes qui associent le chant collectif et le développement des habiletés sociales des élèves; puis, les recherches spécifiques à la pédagogie hongroise qui couvrent ce sujet seront ensuite présentées.

Boucher, H. (2023). Entrevue avec Claude Dauphin, professeur émérite de l’UQAM et membre de l'institut Kodály du Canada – Filiale de Montréal. Alla Breve, 47, 41–49.
       https://drive.google.com/file/d/16k8Vwgcn0hcfXV_tgQB1DFHOcNBS0sjX/view

Résumé

Depuis quelque temps déjà, je tente de retrouver les traces du déploiement de la pédagogie Kodály au Québec et de sa trajectoire depuis le milieu du 20e siècle. En novembre dernier, j’ai eu la grande opportunité d’avoir quelques riches conversations avec Claude Dauphin, professeur émérite à l’Université du Québec à Montréal, formé en musicologie à l’Académie Liszt de Budapest et en pédagogie Kodály à Kecskemét (Hongrie) et s’intéressant particulièrement aux questions de classification des mélodies du folklore. Il a participé au développement de la filiale montréalaise de l’Institut Kodály du Canada, son nom figurant d’ailleurs parmi les membres du Conseil d’administration. C’est d’ailleurs à cette époque que parut la toute première édition de notre revue Alla Breve, dans laquelle il signe un article Solmisation : Histoire d’un mot, retour d’un sens.

Boucher, H. et Lee, J. Y. M. (2023). La pédagogie Kodály au sein des chorales d’enfants. Revue CHANTER, 17(4), 37-42.
       https://cdn.ca.yapla.com/company/CPYPkn1e2bsMlNNXXqJHMDO/asset/files/REVUECHANTER17_4-finalre%CC%81vise%CC%81.pdf

Résumé

Une des figures marquantes du développement du chant choral au XXe siècle, en particulier des chœurs d’enfants, est le Hongrois Zoltán Kodály (1882-1967). Par son apport à la pédagogie musicale et un grand nombre de compositions, il a contribué à offrir de premières expériences musicales signifiantes pour les enfants. Il considérait comme un droit fondamental l’accès à la musique et pensait que d’en recevoir les clés dès l’enfance y donne accès pour toute la vie (Nemes, 2017). Sa vision pédagogique est essentiellement centrée sur le chant comme premier instrument, en particulier le chant choral qui donne une expérience privilégiée vécue dans une communauté, tout en faisant l’expérience de moments de joie et de beauté. Dès les années 50, bien avant que nous ayons des données issues de la recherche, il était convaincu que l’apprentissage de la musique pouvait également supporter le développement des habiletés sociales.

Barbeau, A. K. et Boucher, H. (2023). Le coin Kodály. Soutenir le développement musical de l’enfant par la pédagogie Kodály. Musique et pédagogie,37(1).
       https://www.fameq.org/fr/page-detail/soutenir-le-developpement-musical-de-l-enfant-par-la-pedagogie-kodaly

Résumé

Un des principes de base des grandes méthodes actives développées au XXe siècle est de prendre appui sur le développement musical de l’enfant et de soutenir celui-ci de façon adéquate et cohérente. Cet article propose une revue de littérature sur l’approche pédagogique développée par Zoltan Kodály et ses complices en lien avec les nombreuses connaissances maintenant disponibles sur le développement musical de l’enfant d’âge préscolaire et primaire. Tout d’abord, une première analyse réalisée par Jean Sinor, pilier du mouvement Kodály en Amérique du Nord, sera présentée. Celle-ci traite du développement musical de l’enfant et du parallèle que l’on peut établir avec la pédagogie kodalienne. Puis, pour aider l’enseignant de musique du primaire, nous ferons un survol du développement musical et des caractéristiques d’apprentissage des élèves du primaire de manière plus générale, avant d’établir des parallèles avec la pédagogie Kodály.

Boucher, H. (2022). Le coin Kodály. L’enseignement de la musique instrumentale par la pédagogie Kodály. Musique et pédagogie, 36(3), 15-19.
        https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/FAMEQ%2016791%20vol%2036%20no3.pdf

Résumé

Il existe de nombreuses pratiques, pédagogies, méthodes et approches en enseignement de la musique. Plusieurs de nos programmes, en particulier à la fin du primaire et au secondaire, mettent un accent sur l’apprentissage d’un instrument et la participation à des ensembles comme l’orchestre d’harmonie, l’orchestre symphonique, l’ensemble de guitares, les combos et les ensembles de percussions. Qu’en est-il de la place des méthodes actives inspirées des grands pédagogues tels Dalcroze, Orff, Suzuki et Kodály dans l’enseignement de la musique instrumentale ? Bien que celles-ci soient utilisées dans plusieurs parties du monde avec les enfants plus jeunes, peuvent-elles être pertinentes avec des adolescents qui apprennent à jouer d’un instrument? Plus particulièrement, comment peut-on intégrer les principes de la pédagogie développée par Zoltán Kodály et ses collègues à la réalité des ensembles instrumentaux?

Boucher, H. et Gaudette-Leblanc, A. (2022). Le chant et le jeu chanté traditionnel en éducation préscolaire. Revue préscolaire, 602,31-33.
        https://aepqkiosk.milibris.com/reader/a8d438f3-4da6-4eaf-a3c6-e066f976537d?origin=%2Frevue-prescolaire%2Frevue-prescolaire%2Fn602-2022

Résumé

Vous souvenez-vous des chansons qui ont rythmé votre enfance et accompagné vos jeux musicaux ? Ces chansons, transmises oralement de génération en génération, transportent notre histoire, notre géographie, notre langue et notre culture. Elles appartiennent à ce que les spécialistes appellent la « culture musicale de l’enfant » (Campbell, 2015), culture qui mérite d’être protégée en ces temps de mondialisation numérique. Dans cet article, nous mettrons de l’avant la richesse des chansons francophones et folkloriques. Nous présenterons de quelles façons ce répertoire permet à l’enseignante à l’éducation préscolaire d’agir à titre de médiatrice d’éléments de culture et d'initier les enfants « à une variété de repères culturels issus du patrimoine de l’humanité » (MEQ, 2020, p.48), en plus de soutenir le développement global de l’enfant.

Boucher, H. (2022). Kodaly Perspectives : La pédagogie du rythme dans l’approche Kodály adaptée pour le Québec francophone. Canadian Music Educator, 36(3), 57-61.
       

Résumé

Les principes de base de la pédagogie développée par Zoltán Kodály ont eu un impact important dans l’enseignement de la musique dans divers pays. Pour mieux répondre aux besoins de différents groupes culturels, certains ajustements ont dû être effectués. Parmi les différents outils pédagogiques présents dans la pédagogie kodalienne, on retrouve l’usage des syllabes rythmiques. Celles-ci, selon différentes sources, auraient été développées à la suite du travail de pédagogues français. Notre article tente d’éclaircir l’origine de ces syllabes rythmiques, l’adaptation de celles-ci à différentes cultures et langages, de même qu’une proposition pour l’enseignement du rythme selon l’approche inspirée par Kodály, en français pour le Québec.

Lee, J. et Boucher, H. (2022). Le coin Kodály. L’apport de la pédagogie Kodály sur les apprentissages musicaux. Musique et pédagogie, 36(2), 19-23.
        https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq_16568_vol__36_no2_vd.pdf

Résumé

Dès la mise en place de l'approche pédagogique inspirée par Zoltan Kodály dans les réseaux scolaires, plusieurs chercheurs ont mesuré son apport sur les apprentissages musicaux. En ce sens, différentes études ont démontré que la pédagogie Kodály peut améliorer la littératie musicale (Smuta et Buzás, 2017; Ryman, 2019) et le développement rythmique (Olson, 2000; Fritz, 2015). De plus, l’apport de certains outils concrets, comme la solmisation relative et la phonomimie semblent soutenir la justesse du chant (Martin, 1991; Killian et Henry, 2005; McClung, 2008; Bridges, 2010). Finalement, le développement de la musicalité chez les enfants est également associé à cette pédagogie (Kim, 2008).

Houle, J. et Boucher, H. (2021). L’écoute de la musique et le sentiment d’appartenance chez l’adolescent. Canadian Music Educator, 62(2), 41-46.

Résumé

Le sentiment d’appartenance chez les adolescents est un facteur clé de leur développement social. Celui-ci, lorsque bien établi, aura un impact positif sur leur bien-être tout au long de ces années charnières qui mènent à la vie adulte. L’écoute de la musique, un élément qui supporte le développement de l’identité individuelle et de groupe des jeunes, leur permet de se forger une appartenance à un groupe de pairs et, ainsi, de comprendre leur rôle au sein de leur groupe social. Diverses façons pour aider le développement du sentiment d’appartenance des jeunes en enseignement de la musique seront présentées, ceci dans le but d’épauler les divers intervenants scolaires et de leur faire prendre conscientiser de l’importance de leur implication musicale auprès des adolescents.

Boucher, H. (2021). Le coin Kodály. Entrevue avec Charles Grégoire,enseignant en musique au primaire. Musique et pédagogie, 36(1).
       https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq_16309_vol__36_no1-10.pdf

Résumé

Lors d’un atelier offert au congrès FAMEQ 2019 portant sur l’introduction à la pédagogie Kodály, un groupe d’une cinquantaine d’enseignants en musique était réuni dans une petite salle de classe de l’Université du Québec à Montréal. Parmi ceux-ci, Charles Grégoire, enseignant à l’Académie Ste-Thérèse. C’est dans ce contexte qu’il a fait une première rencontre avec cette approche pédagogique. Par la suite, Charles a pris part à une formation détaillée sur la mise en place de cette vision d’enseignement et a appliqué pour la première fois, lors de l’année scolaire 2020-2021, les outils qui lui sont propres. À l’aube de cette rentrée scolaire, il accepté de répondre à quelques questions afin de partager son expérience et de relater l’impact de cette pédagogie sur sa pratique.

Boucher, H. (2021). A review of Kodály-inspired education and Indigineous people in Canada and beyond in the Bulletin of the International Kodály
       Society. Alla Breve, 45, 7-14.

Résumé

La Société Kodály du Canada (KSC) embrasse les appels à l'action lancés par la Commission Vérité et réconciliation du gouvernement fédéral du Canada. Par conséquent, une partie de la déclaration "Qui nous sommes" de la KSC se lit comme suit : « La classe de musique canadienne doit également être un lieu où la vérité et la réconciliation avec les peuples autochtones du Canada sont honorées, explorées et développées ». Depuis la prise de conscience du traitement injuste dans notre société envers les peuples des Premières Nations, les Inuits et les Métis au Canada, nous avons voulu connaitre la façon dont le mouvement Kodály a abordé cette problématique au fil des ans. Au départ, l'intention était simplement d'examiner la littérature portant sur la pédagogie Kodaly et les peuples et les cultures autochtones du Canada. Au fur et à mesure que le processus de recherche progressait, en raison du nombre limité d'articles trouvés, des articles portant sur les Autochtones d'autres différentes régions géographiques et des articles dont l'objectif principal était ailleurs mais qui mentionnaient les Autochtones ont été identifiés. Dans d'autres articles, l'absence d'une telle mention a été jugée intéressante et ceux-ci ont également été inclus dans cette revue de la littérature. Cet article identifie donc les articles qui ont été publiés dans le Bulletin of the International Kodály Society, de 1976 à 2020, en relation avec les peuples autochtones du Canada et d'ailleurs. Tout d'abord, la méthode de recherche et d'analyse est présentée, puis un résumé du contenu de chaque article sélectionné suit. Enfin, des réflexions pour l'avenir de la pédagogie Kodály sont discutées.

Gaudette-Leblanc, A., Boucher, H. et Duval, S. (2021). Faire de la musique… un jeu d’enfant! Revue préscolaire, 59(1), 58-59.

https://aepqkiosk.milibris.com/reader/d25d9b3a-54bb-4e31-944c-1c97dc47bb28?origin=%2Frevue-prescolaire%2Frevue-prescolaire%2Fn591-2021

Résumé

Le jeu musical comprend les activités musicales initiées par l’enfant, alors qu’il explore les sons de façon volontaire, en jouant seul ou accompagné (Marsh et Young, 2015). Ce type de jeu revêt une place importante à l’éducation préscolaire, car il fait appel à de nombreuses habiletés de l’enfant, soutenant ainsi les apprentissages et le développement global de celui-ci. Cette chronique vise d’abord à établir les situations dans lesquelles on peut observer et soutenir le jeu musical de l’enfant et à préciser les différents rôles pouvant être joués par l’enseignante lors de celles-ci. Elle présente ensuite un exemple de jeu musical en classe, suivi de quelques idées de situations d’apprentissage et de développement y étant liées.

Ricard, J. et Boucher, H. (2021). L’enseignement de la formation auditive : quelle approche choisir? Musique et pédagogie, 35(2), 17-21.
       https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq_15817_vol__35_no_2_vd.pdf

Résumé

Dans l’éducation musicale de tradition occidentale, il est généralement admis que la formation auditive est une part importante de l’apprentissage de la musique, particulièrement pour les apprenti(e)s instrumentistes et chanteur(-euse)s. Les cursus musicaux des écoles préparatoires, conservatoires, cégeps et universités incluent ainsi d’emblée les cours de formation auditive, aussi appelés solfège et dictée. On peut cependant observer un éclectisme dans les diverses institutions, autant du point de vue des approches utilisées que dans les objectifs visés. Comme le stipulent différents auteurs, les enseignant(e)s de formation auditive ont tendance à perpétuer les pratiques qu’ils ont connues en tant qu’élèves et à adopter la même approche que leurs professeur(e)s. En tant qu’enseignant(e)s, il semble important de briser ce cycle et d’avoir une meilleure compréhension des différentes approches pédagogiques existantes en formation auditive afin de faire des choix éclairés. Cet article vise donc à présenter certains écrits traitant de l’éducation de l’oreille pour les musicien(ne)s en formation afin de comprendre comment s’articulent les diverses approches pédagogiques dans cette matière.

Boucher, H. (2021). Le coin Kodály. Les séquences pédagogiques. Musique et pédagogie, 35(3), 22-26.
        https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/revue-musique-et-pedagogie-fameq-vol35-no3.pdf

Résumé

La pédagogie musicale inspirée par le travail de Zoltan Kodály met l’accent sur la valorisation de l’expérience musicale vocale dès la toute petite enfance. L’apprentissage des différents concepts musicaux étant également au cœur de cette approche, différents outils éducatifs furent développés et expérimentés pour soutenir l’enseignement. Parmi ceux-ci, la mise en place d’une séquence pédagogique fut élaborée en fonction du développement naturel des enfants et de leur capacité à apprendre les différentes composantes musicales. Séquencer ainsi les contenus s’applique évidemment aux savoirs enseignés, mais également au répertoire que l’enseignant choisit d’utiliser. Cette approche est également utilisée pour l’enseignement du chant collectif, tant en classe qu’en parascolaire. Cet article présente d’abord une séquence possible pour l’enseignement des savoirs musicaux en contexte scolaire québécois francophone, suivie d’une séquence structurant l’apprentissage du chant à plusieurs voix.

Boucher, H. (2021). Le coin Kodály. La créativité dans la pédagogie Kodály. Musique et pédagogie, 35(2).
       https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq_15817_vol__35_no_2_vd.pdf

Résumé

La créativité n’est heureusement plus considérée aujourd’hui comme l’apanage exclusif d'un petit nombre de gens talentueux. Elle est perçue comme inhérente à la personnalité humaine. Par conséquent, le développement et l'éducabilité de la créativité sont également devenus des sujets auxquels les enseignants doivent s’intéresser. Dans le programme de formation de l’école québécoise (Gouvernement du Québec, 2006), inventer/créer est une trois compétences des programmes en enseignement des arts. Dans la pédagogie développée par Zoltan Kodály et ses collaborateurs, la création a une place de choix. En effet, cette approche implique bien davantage que de chanter des ti-ti ta, comme le croit encore malheureusement certains. Pour Kodály, la créativité est intrinsèque à chaque enfant. « Fredonner est un moyen d'expression des plus naturels pour les jeunes enfants, de plus leur façon naturelle de s’exprimer est également très proche du chant » (Kodály cité dans Forrai et Kalmár, 1984). Dans cette vision, l’éducation à la création se fera d’abord par la quantité et la qualité de musique à laquelle les élèves auront été exposés. Les élèves ont donc en premier lieu besoin de posséder un répertoire de sons - mélodies, rythmes et harmonies - avant de pouvoir canaliser leur potentiel créatif. Plus que cela, comme le dit Christopher Azzara: « L’objectif est de connaitre la musique, de la posséder de la même manière que l'on s’est approprié la langue, en la parlant » (p. 21-25). La pédagogie Kodály suggère six aspects musicaux principaux à partir desquels développer la créativité chez nos élèves : d’abord de façon inconsciente par le chant, puis par des activités de mouvements, ensuite par le texte, le rythme, la mélodie et l’harmonie (Johnson, 2004). Dans cette chronique, ces six éléments seront présentés et illustrés par différents exemples. Mais d'abord, comment mettre en place les premiers pas vers une créativité éduquée, soit l’exposition à la musique comme un apprentissage non conscient de la structure grammaticale de ce langage.

Boucher, H. (2020). Le coin Kodály. Le jeu dans la pédagogie Kodály : pour le plaisir d’apprendre la musique. Musique et pédagogie,
       35(1), 7–10.
       https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq_15602_revue_vol_35_no_1.pdf

Résumé

Pour tout éducateur utilisant les principes éducatifs de l’approche Kodály, la joie suscitée par la découverte de la musique est extrêmement importante. Selon la Liszt Academy Kodály Institute, notre première tâche est « d’enseigner la musique et le chant à l'école de telle façon que ce ne soit pas une torture, mais une joie pour l'élève; de lui insuffler une soif pour la musique, une soif qui durera toute sa vie ». Une des activités musicales permettant de faire vivre l’apprentissage de la musique dans la joie et le plaisir est sans aucun doute le jeu musical. Cette chronique présentera une théorie construite sur un continuum de différents types de jeux, le tout illustré par des exemples de jeux musicaux, accompagnés de leur application pédagogique.

Boucher, H. (2020). Le coin Kodály. Chantez, chantez et chantez encore ! Musique et pédagogie, 34(3), 8-13.
        https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq_15306_revue_vol_34_no3_-_v2.pdf

Résumé

L’organisation des éducateurs Kodály américains identifie les éléments essentiels de la pédagogie Kodalienne comme suit : 1) l’importance du chant, 2) l’importance des chansons folkloriques, 3) l’utilisation de la solmisation relative, 4) l’utilisation de la musique de qualité, 5) le développement du musicien complet et 6) l’usage d’une séquence pédagogique (OAKE, 2020). Vous aurez remarqué que l’élément figurant tout en haut de la liste est l’importance du chant. Contrairement à d’autres approches - où le jeu instrumental est davantage ou d’égale importance - dans la pédagogie inspirée par Zoltan Kodály, le chant est vraiment considéré comme l’outil pédagogique musical par excellence. Dans cet article, je présenterai de quelle façon le chant est inhérent à cette approche et j’aborderai certains des défis qui peuvent se présenter, notamment celui de motiver les garçons à chanter et celui du manque de formation vocale des musiciens éducateurs. De plus, je vous exposerai certaines des stratégies pédagogiques utilisées par les éducateurs Kodály pour enseigner la musique par le chant.

Boucher, H. (2020). Le coin Kodály. Pourquoi la méthode Kodály dans l'enseignement de la musique? Musique et pédagogie, 34(2), 19–22.
        https://cdn.ca.yapla.com/company/CPY1C7QLtAEh0pKuGvRq2sBY5/asset/files/fameq-vol-34-no2.pdf

Résumé

Depuis les années 60, différents musiciens-éducateurs ont travaillé à incorporer l’usage de la méthode Kodály dans les écoles publiques au Québec. Dans la foulée du rapport Parent sur l’éducation, un rapport spécial portant sur l’enseignement de la musique dans la province de Québec (Deslauriers, 1968) voit le jour. Il est fait de nombreuses recommandations, plusieurs d’entre elles portant sur l’utilisation de la méthode Kodály au préscolaire et au primaire :
- Qu’on impose à tous, dès le niveau préscolaire, une initiation musicale essentiellement à base d’éducation rythmique et de chant choral, en s’inspirant des meilleurs éléments des méthodes Jaques-Dalcroze, Martenot, Orff-Bergese et surtout Kodály.
- Ceci dit, et tout en me gardant de toute exclusive en un domaine où les spécialistes sont loin d’être d’accord, je souhaite qu’on s’emploie sérieusement à tirer chez nous tout le parti possible de la méthode Kodály, mentionnée à propos du préscolaire, mais qui a été précisément conçue pour les écoles élémentaires.
- Au niveau élémentaire, qu’on impose à tous un enseignement à base de chant choral et de danse proprement dite. Qu’on offre à tous l’apprentissage d’un instrument de leur choix, au moment jugé opportun par des maîtres qualifiés. Qu’on utilise à ce niveau les méthodes internationales reconnues, en particulier celle de Kodály, en les complétant et en les corrigeant les unes par les autres, le cas échéant.
Ces recommandations, comme tant d’autres en enseignement des arts, demeurent à être mises en application dans notre système scolaire. Certains défis inhérents à la méthode KodalyKodály, tel l’usage de la solmisation relative, ont sans doute rendu son application plus difficile qu’il ne l’avait été anticipé. Depuis un certain nombre d’années, j’apporte ma contribution pour faire connaître davantage les forces de cette méthode et pour l’adapter au contexte du Québec francophone . Le texte suivant expliquera d’abord pourquoi cette méthode est encore utilisée dans de nombreux pays aujourd’hui, présentera qui était Kodály, comment s’est développée sa vision et ce qui la compose.

Boucher, H. (2019). Ressources de chansons folkloriques en français/French folksong resources. Alla Breve, 43, 10-14.

Résumé

La méthode Kodaly a connu un grand essor dans plusieurs pays depuis ses tout débuts en Hongrie. Une de ses particularités est bien entendu l’usage d’une séquence du matériel rythmique, mélodique et harmonique. Une autre de ces caractéristiques est l’usage de chants enfantins et folkloriques tirés de la culture de l’enfant. Dans les pays francophones, deux tangentes sont observables en ce qui concerne la séquence choisie. On retrouve la séquence diatonique commençant par l’enseignement de do-ré-mi et la séquence pentatonique avec sol-mi-la. Ces deux séquences sont utilisées dans différentes communautés francophones et demandent des ressources de chansons différentes. L’objectif de cet article est de vous proposer différents livres et sites internet qui s’inscrivent dans l’une ou l’autre de ces séquences vous permettant de les explorer et de répondre à vos besoins spécifiques. De plus, si votre enseignement se déroule en anglais et que vous souhaitez utiliser des chants en français, vous pourrez également vous inspirer de ce matériel et l’intégrer dans la séquence que vous utilisez.

Gaudette-Leblanc, A. et Boucher, H. (2018). La pratique de la musique en classe de maternelle 4 ans. Données issues de la recherche et recommandations. Revue
        préscolaire, 56(4). https://aepqkiosk.milibris.com/reader/1c7e317c-39a8-48e6-9735-a875f69054c4?origin=%2Frevue-prescolaire%2Frevue-prescolaire%2Fn564-2018

Résumé

En 2018, dans le cadre de la Politique sur la réussite éducative, 111 nouvelles classes de maternelle 4 ans à temps plein en milieu défavorisé (TPMD) ont été mises en place. Récemment, des recommandations issues d’une recherche ayant examiné l’efficacité de cette mesure suggèrent qu’il serait nécessaire d’enrichir le programme de formation de l’école québécoise (préscolaire – 4ans) en fournissant des exemples concrets d’activités et de programmes soutenant le développement global de l’enfant de 4 ans. On propose également de mieux outiller les éducateurs et les enseignants à qui seront confiés ces enfants en leur offrant des activités de formation continue basées sur les meilleures pratiques en éducation (Japel et coll., 2017). En ce sens, cette chronique vise d’abord à informer les professionnels de l’éducation des effets positifs de la musique sur le développement de l’enfant au moment de sa première transition scolaire. Elle suggère quelques activités musicales pouvant favoriser l’adaptation de l’enfant d’âge préscolaire.

 

Articles en cours de rédaction

Boucher, H., Gaudette-Leblanc, A. et Raymond, J. (en cours). The role of play in early childhood music education: A systematic review.

Résumé

Au cours des dernières décennies, les chercheurs et les éducateurs ont adopté le jeu comme le meilleur véhicule d'apprentissage chez les jeunes enfants. Le monde de l'éducation musicale en petite enfance est également enraciné dans l'idée que le développement musical est le mieux stimulé par le jeu. En discutant de «l'état d'avancement» de la recherche sur l'éducation musicale de la petite enfance, Young (2016) commente les tendances et les cadres qui sont utilisés par les chercheurs dans différents contextes et pays. Elle identifie deux changements majeurs dans le paradigme de la recherche au cours des 20 dernières années. Les théories comportementales sur le nourrisson «incompétent» et le nourrisson comme «une ardoise vierge» ont été éclipsées par la vision constructiviste de l'enfant «compétent» qui réagit habilement à son environnement. En outre, il y a maintenant une reconnaissance de l'importance de l'étude de la musique en tant que pratique familiale socioculturelle dans les sociétés post-migratoires ethniquement diverses.
Dans le monde de l'éducation musicale en petite enfance, contrairement à celui des adolescents, des adultes ou des personnes âgées, il existe déjà un corpus important de connaissances sur le rôle du jeu dans l'apprentissage de la musique. Nous souhaitons proposer une revue systématique de la littérature publiée en utilisant la syntaxe suivante: Musique * et Jeu * et «Jeunes enfants» ou «Petite enfance». Des bases de données majeures en éducation et en psychologie seront recherchées et analysées pour identifier les articles pertinents, ils seront ensuite organisées en fonction des thèmes qui émergeront. La littérature sera examinée pour identifier les différents cadres et théories utilisés, pour analyser les résultats de la recherche quantitative et pour fournir la taille de l'effet lorsque cela est possible et, pour étudier des sujets dans lesquels des chercheurs en études qualitatives ont transformé le jeune enfant du sujet de l'étude à un égal, participant au processus de recherche.
Nous pensons qu'un tel examen aidera à consolider notre compréhension de l'apprentissage de la musique par le jeu dans les premières années. Cela pourrait également inciter les chercheurs à examiner des sujets similaires et à utiliser des procédures de recherche comparables avec des participants plus âgés. De plus, ceci contribuera à la circulation de différents points de vue associés à la pédagogie du jeu et de la musique pour les éducateurs en petite enfance.

Gaudette-Leblanc, A., Bolduc, J., Bédard-Bruyère, F., Boucher, H., Pearson, J., Cirelli, L. and Tarabulsy, G.M. (en cours). Do short-term musical
        interactions promote social behaviors in children? A systematic review.

Résumé

À ce jour, divers programmes d'intervention psychosociale visant à promouvoir l'adoption de comportements parentaux plus sensibles ont été conçus et mis en œuvre dans le domicile familial (Berlin, Zaenah et Lieberman, 2016;). L'intervention à domicile à court terme basée sur l'attachement semble améliorer la sensibilité de la personne qui s'occupe de l'enfant, augmenter la sécurité de l'attachement et contribuer au développement social de l'enfant (Moss, Dubois-Comtois, Cyr, Tarabulsy et Bernier, 2011; Moss, Tarabulsy, Dubois-Comtois, Cyr, Bernier et St-Laurent, 2018). Dans ces interventions, après une brève discussion sur l'attachement et le développement de l'enfant, selon l'âge et les besoins de l'enfant, l'intervenant propose des activités pour favoriser l'affiliation et la réciprocité au sein de la dyade. Ensuite, afin d'augmenter la capacité des parents à observer la réaction de leurs enfants pendant l'interaction, une rétroaction vidéo sur l'interaction parent-enfant est fournie. L'utilisation de comptines, de jeux de coucou et de chansons fait partie des activités proposées. Ces activités musicales peuvent être l'occasion d'observer le développement de la sensibilité du parent (Vlimas, Malloch & Burnham, 2013). Néanmoins, il est probable que les praticiens dans le domaine de l'attachement ne connaissent pas la littérature concernant la contribution des interactions musicales sur la qualité des interactions parent-enfant et de leur impact sur les comportements sociaux des enfants. Bien qu'il ait été suggéré que les pratiques musicales à la maison peuvent nourrir la relation entre le parent et l'enfant et que cela peut avoir des conséquences sur le développement social de l'enfant (Trehub, 2019), il semble nécessaire de préciser dans quelles conditions cela peut être le cas. Cet article théorique vise à combler cette lacune. Tout d'abord, une revue systématique de la littérature informera les praticiens des connaissances actuelles sur ce sujet. Elle sera suivie d'une discussion qui vise à clarifier le contexte dans lequel la pratique de la musique à domicile a été étudiée à ce jour et à suggérer de nouvelles pistes de recherche dans le domaine des sciences sociales.

Boucher, H. (en cours). A systematic review of rhythm teaching approaches in elementary and high school.

Résumé

Les enseignants en musique ont parmi leur tâche d'amener les apprenants à développer une compréhension du rythme, et ce, quel que soit l'âge des élèves. Ils/elles disposent de nombreuses approches pour structurer leur enseignement, parmi lesquelles le système traditionnel qui consiste à compter, les syllabes rythmiques, les mots-étiquettes et l’utilisation de mots pour leur similitude rythmique. Les objectifs de cet article sont d'offrir aux musiciens-éducateurs une analyse systématique des recherches publiées comparant au minimum deux approches différentes pour enseigner les rythmes musicaux et d'identifier les résultats significatifs en termes de pratiques efficaces.
Afin d'identifier le plus grand nombre possible de publications pertinentes, plusieurs bases de données ont été consultées: ERIC (EBSCO), Education Full Text (H.W. Wilson), PsycINFO, JSTOR, FRANCIS, WorldCat. Une recherche de la littérature grise a également été effectuée dans: ProQuest Dissertations and Theses Global, Erudit, Theses Canada, Open Access to Thesis and Dissertations (en ligne). Les mots clés suivants ont été utilisés pour exécuter ces recherches: 'rhythm music', 'rhythm reading', 'rhythm teaching', 'music rhythm words', 'rhythm syllables', 'Kodaly', 'Gordon music', 'Takadimi', 'music sight reading'.
Les méthodes les plus étudiées sont la méthode traditionnelle consistant à compter «l-e-and-a», Kodaly, Gordon, Takadimi et les mots-étiquettes. La plupart des recherches ont utilisé une méthodologie quasi expérimentale avec ou sans groupe témoin. Cependant, très peu étaient comparables en termes de méthodologie, de participants et de mesures. De plus, la plupart d'entre eux n'ont pas comparé les mêmes méthodes d'enseignement rythmique, rendant impossible une méta-analyse. Lorsque suffisamment de données étaient fournies, la taille de l’effet a été calculée à l’aide de l’analyse de Cohen. Même si les études trouvées comparent différents systèmes, quelques éléments méritent d’être mentionnés. Le premier est l'efficacité de la méthode des mots-étiquettes. Cette approche est caractérisée par un ensemble de mots systématiquement associés à un élément rythmique (par exemple - quatre doubles noir'). Le deuxième élément à souligner est que la méthode traditionnelle consistant à compter semble être la moins efficace.

 

Recherche en cours

Boucher, H. (en cours). The impact of friendship on peer assessment among undergraduate students.

Résumé

Depuis la contribution majeure de Vygotsky, soit le socioconstructivisme dans l'éducation, l'évaluation par les pairs est devenue un moyen de soutenir la responsabilité des élèves pour leur propre apprentissage et l'apprentissage des autres (Boud et al., 1999). Ce type d'évaluation, ainsi que d'autres, est utilisé dans de nombreuses écoles, dans de nombreuses disciplines et à différents niveaux. Il a récemment suscité un intérêt considérable pour l'enseignement supérieur, tant par sa valeur éducative que par sa capacité à donner aux élèves la possibilité de développer d'importantes compétences transférables (McGarr et Clifford, 2012). De plus, la question de la fiabilité du classement des élèves, de l'expertise des pairs évaluateurs, des relations de pouvoir et du temps disponible pour mettre en œuvre ce processus (Liu et Carless, 2006) ont également été étudiés. Patton (2012) rapporte que bien que les étudiants soient favorables à l'évaluation par les pairs comme un type d'évaluation formative, ils sont très critiques lorsque celle-ci est utilisée comme processus sommatif. De même, McConlogue (2012) signale que les étudiants ont acquis une meilleure compréhension de leur statut d'évaluateur, mais s'inquiétaient de ce que les notes de leurs pairs-évaluateurs n'étaient pas « équitables ». Lorsqu'on leur a demandé si les évaluations de leurs pairs devaient avoir un poids plus élevé dans leur note finale, les participants aux études de McGarr et Clifford (2012) étaient en désaccord, faisant écho à la même préoccupation.
Cette perception est intéressante, car d'autres chercheurs ont constaté que l'évaluation par les pairs donne des résultats similaires à ceux des évaluations faites par le professeur (Şahin, 2008). Falchikov et Goldfinch (2000), dans leur méta-analyse de 48 études portant sur l’évaluation par les pairs, ils rapportent que les corrélations entre les notes étaient plus élevées dans les études où les évaluations par les pairs impliquaient de faire des jugements globaux en utilisant des critères bien compris. Topping (1998) conclut également que l'évaluation par les pairs présente une fiabilité et une validité adéquates. Au contraire, De Grez, Valcke et Roozen (2012), en comparant l'enseignant, l'individu et l'évaluation par les pairs des présentations orales, ont constaté que la note totale de la rubrique donnée par les enseignants était significativement inférieure à celle des pairs. D'autres chercheurs ont également signalé que les évaluations par les pairs n'étaient pas aussi fiables, exactes et précises que celles effectuées par les enseignants, ce qui rendait difficile leur utilisation comme évaluation sommative (Freeman, 1995, Kwan et Leung, 1996; Orsmond, Merry, et Reiling, 1996).
Bien que l'équité et la valeur de l'évaluation par les pairs dans l'enseignement supérieur aient été bien documentées ces dernières années, les relations qui se développent chez les étudiants et l'impact qui en résulte sur l'évaluation par les pairs n'ont pas encore été suffisamment prises en compte. Dans leur étude de cas, Vu et Dall'Alba (2007) mentionnent les inquiétudes de l'étudiant-évaluateur craignant de causer des frictions et de blesser les autres étudiants, ou, si le camarade de classe est un ami, en croyant qu'il peut trahir la confiance de l'ami. Ils signalent également ce qui suit : «Un étudiant a vécu le processus d'évaluation par les pairs comme stressant, remettant en question ses liens avec l'apprentissage:
"Je ne pense pas que cela améliore la compréhension du tout parce que je suis trop préoccupé par la question de savoir si je marquais et évaluais les autres de façon juste et équitable .... L'évaluation n'est pas pertinente pour l'apprentissage. Je ne pense pas que l'évaluation puisse nécessairement mener à l'apprentissage. Les autres étudiants ont également exprimé leur inquiétude à l'idée de donner des marques et des critiques à leurs pairs. Ils craignaient que des marques injustes et des commentaires inappropriés ou trop critiques ne puissent causer des frictions avec leurs pairs. Ils craignaient que ces craintes ne produisent un biais dans l’évaluation."
Pour abaisser ces réactions émotionnelles, ils suggèrent un débriefing suite à l'évaluation, mais ils mentionnent également qu'il peut donner lieu à des conflits entre les étudiants, surtout quand un lien de classe s'est développé. Topping, Smith, Swanson et Elliot (2000) ont également examiné les réactions émotionnelles des étudiants et ils ont constaté que ce processus est perçu comme socialement inconfortable. Et Evans et al., (2005) rapportent que les élèves réagissent différemment selon le niveau de respect qu'ils ont pour leurs pairs ; ils peuvent se sentir à l'aise d'être évalués seulement si cela est fait par des pairs qu'ils respectent. D'autre part, Koç (2011) a identifié le renforcement des relations entre collègues comme l'un des nombreux avantages de l'évaluation par les pairs.
Le but de cette étude est de documenter le rôle des relations existantes (amitié, désaccord passé, manque de respect) sur l'évaluation par les pairs dans l'enseignement supérieur. Cela se fera en analysant les évaluations par les pairs de la présentation orale finale des étudiants et en les examinant afin de comprendre comment ils perçoivent l'évaluation par les pairs dans l'enseignement supérieur dans un contexte où ils se connaissent très bien. Les participants sont choisis parmi une cohorte qui a été étudiée ensemble pour l'ensemble de son programme (quatre ans pour les étudiants de premier cycle, deux ans pour les étudiants diplômés). La plupart d'entre eux seront à la fin de leur programme en éducation. Ils ont eu plusieurs de leurs cours ensemble, certains d'entre eux ont développé des amitiés significatives, tandis que d'autres ont vécu des relations difficiles au fil des ans.
Les questions de recherche suivantes seront abordées:
Comment les relations existantes (amitié, désaccord antérieur, manque de respect) influencent-elles les étudiants à évaluer leurs pairs? Comment cette tâche est-elle perçue par les étudiants? Quelles sont les émotions suscitées par l'évaluation par les pairs? Dans un contexte où les étudiants se connaissent bien, l'évaluation par les pairs est-elle perçue comme une méthode d'évaluation équitable? Est-ce qu’un formulaire d'évaluation comportant des critères précis peut être perçu comme étant utile (pour rendre plus équitable) l'évaluation par les pairs?

Boucher, H. (en cours). A qualitative inquiry of peer assessment among graduate students.

Résumé

Parallèlement au projet précédent, le but de cette étude était de documenter l'expérience d'être évalué par des pairs et d'évaluer ses pairs en tant qu'étudiants de 3e cycle. Cinq doctorants ont partagé leur expérience avec le chercheur. Une analyse thématique de cette description reste à effectuer.

Boucher, H. et Gaudette-Leblanc, A. (en cours). L’apport de la participation du parent lors d’un programme d’activités musicales à la petite enfance.

Résumé

Au Québec, afin de permettre la conciliation de la vie familiale et professionnelle, les parents d’enfants de moins de 5 ans ont accès à un réseau de services de garde éducatif subventionné, fréquenté par un nombre de plus en plus important d’enfants chaque année (Ministère de la Famille, Direction générale des politiques, 2014). Aux États-Unis, en 2016, près des deux tiers des enfants de 3 à 5 ans participaient à un programme d'éducation préscolaire (National Center for Education Statistics, 2016). En parallèle, en milieu communautaire, différents programmes d’éducation par le jeu sont maintenant offerts aux enfants et à ceux qui en prennent soin (Williams, Berthelsen, Viviani et Nicholson, 2018).
Les programmes d'éducation musicale font partie de ces programmes et semblent susciter un intérêt croissant de la part des parents et des milieux éducatifs et communautaires (Abad et Barrett, 2017; Trehub et Degé, 2015). Cet intérêt accru peut s'expliquer par le fait que ces programmes sont amusants et accessibles à un large éventail de familles. À titre d’exemple, en Australie, le programme Sing and Grow est implanté nationalement et offre aux parents et aux enfants présentant des besoins particuliers de participer à des activités musicales en dyades parent-enfant. Au niveau international, Music Together® et Kindermusik® sont tous deux proposés aux familles ainsi qu’en milieu éducatif (avec ou sans parent).
Du point de vue des parents, la participation à un programme d'éducation musicale pourrait contribuer au développement socio-émotionnel des jeunes enfants (Nicholson, Berthelsen, Abad, William et Bradley, 2010; Pitt et Hargreaves, 2017a, 2017b). Cette perception converge avec l'ensemble des recherches documentant l'impact de la pratique de la musique sur le développement social des enfants (Hallam, 2010; Hallam, 2015; Schellenberg, 2016; Trehub et Degé, 2015). En effet, les données issues des recherches nous indiquent que certaines caractéristiques, inhérentes à la musique, favoriseraient la synchronie dyadique et le rendraient plus disponible aux interactions (Cirelli, Trehub et Trainor, 2018; Trehub et Cirelli, 2018). Plus précisément, les recherches indiquent qu'avant l'âge d'un an, l'enfant serait plus engagé et montrerait une attention plus soutenue envers son interlocuteur lorsque celui-ci lui présente une chanson de manière joyeuse (Cirelli, Jurewicz et Trehub, 2019; Corbeil, Trehub et Peretz, 2013; Costa-Giomi et Ilari, 2014; Trehub, Platinga et Russo, 2016). De plus, certaines études suggèrent que les nourrissons seraient plus susceptibles d'interagir socialement avec des étrangers qui leur proposent une chanson si cette chanson leur a déjà été présentée de façon interactive par leurs parents (Mehr, Song et Spelke, 2016; Mehr et Spelke, 2017). Enfin, ils seraient plus enclins à aider un étranger avec qui ils ont déjà interagi en chantant (surtout si la chanson présentée par l'étranger est familière) ou en se déplaçant en synchronie (Cirelli, Einarson et Trainor, 2014 ; Cirelli et Trehub, 2018 ; Kirschner et Tomasello, 2010). Ces résultats suggèrent que la participation à un programme d'éducation musicale pourrait favoriser le développement socio-émotionnel du jeune enfant.
Récemment, une méta-analyse a été effectuée pour mesurer l’impact d’un programme musical sur le développement socio-émotionnel des jeunes enfants (Gaudette-Leblanc et al., en rédaction). Dans cette analyse, nous avons pu établir la taille de cet effet comme étant modérément élevée (d = .67, p < .001). Un des facteurs ayant été considérés comme variable modératrice étant la présence ou non du parent lors des activités musicales. Malheureusement, celle-ci n’a pu être calculée puisqu’une seule des études retenues s’était déroulée sans la présence du parent (Brown et Sax, 2013). Par ailleurs, les recherches sur l’impact de la participation des parents lorsque des enfants d’âge scolaire apprennent à jouer d’un instrument ont révélé que la présence et les attitudes des parents avaient une influence majeure sur l’engagement musical des enfants (Creech, 2009; Ilari, 2018). La participation des parents pourrait donc éventuellement contribuer à l'efficacité des interventions musicales chez les jeunes enfants et sur leur développement socio-affectif.
Notre intérêt dans cette étude porte donc sur l’apport que peut avoir la participation du parent lors d’un programme d’éducation musicale à la petite enfance. Plus précisément, nous aimerions avoir une meilleure compréhension de l’apport d’un programme d’éducation musicale sur le développement socio-émotionnel du jeune enfant (2-5 ans) dans deux contextes: 1- Programme d’éducation musicale en milieu communautaire (avec parent) 2- Programme d’éducation musicale en milieu éducatif (sans parent).
Nos principales questions de recherche sont: Est-ce que la présence ou non du parent lors d’activités musicales avec les enfants de 2 à 5 ans est un modérateur de l’effet du programme sur le développement socio-émotionnel des enfants? Est-ce que la présence ou non du parent lors d’activités musicales avec les enfants de 2 à 5 ans est un modérateur des activités musicales faites à la maison?

Boucher, H. (en cours). Jeux musicaux de cours d'école au Québec.

Résumé

Les jeux musicaux de cours d’école (jeux de mains, de cordes à danser, d’élastiques, de ballons ou de poursuite) ont été recensés et analysés dans différents pays dont l’Australie, les États-Unis, l’Afrique du Sud, le Brésil et le Canada anglais pour être ensuite utilisés à des fins pédagogiques. Jusqu’à maintenant, aucune recherche similaire n’a été conduite au Québec et il n’existe pas en l’état de répertoire de jeux musicaux de cours d’école disponible en français. Grâce au soutien financier des Fonds de recherche du Québec, une collecte de jeux musicaux est en cours dans l'ensemble des régions du Québec. Ceci nous permettra de mieux comprendre les caractéristiques de ce répertoire et d'en tirer des ressources pédagogiques pour les enseignants de musique, le tout en souvegardant un héritage musical unique.